Texte extrait du Catalogue

« Qu’est ce qui détermine la couleur ? Saura-on jamais…

C’est un mystère. Je voyage avec le bleu, c’est ma dimension intérieure. »

Entretien de Geneviève Asse avec Jean-Claude Daval1

L’air possède une couleur / Bleu : il prend tout ce qui passe. Deux phrases concises, semées comme un couple, dans le livret de Geneviève Asse,

Notes par deux, 2003. Nous saisissons ces vues de l’esprit, des tirets allongés sur le papier immaculé, comme des incisions, des lignes essentielles comme le matérialise le bastingage du navire : lignes de vie fines et robustes, surmontant les flots, bravant l’espace.

Germain Viatte qui aimait l’oeuvre de Geneviève Asse et savait en parler insistait sur ce bleu « qui prend tout »2. C’était considérer ce pigment en constant développement comme une marée montante balayant le préexistant sur sa lancée, un mouvement qui étalonne pourtant ses passages. Qui avance pour mieux se retirer et troubler le nuancier. Un bleu atmosphérique

– atlantique disait-on, ciel et mer solidaires, en partage cependant – bleu entêtant, devenu le seigneur des lieux, le chiffre du peintre, « bleu Asse ».

Ce bleu incarne un tout et fait signature : chez Geneviève Asse, nadir, zénith et débir, comme concepts symboliques de la verticalité, des données magiques et matérielles. 

À mon sens, l’allure un peu raide de ces peintures les retranche du monde du songe : le réel dispute à l’inconnu. Rien n’est simple dans cette montée de bleu, rien n’est posé à tout jamais et comme le commentait Viatte en 1975 relevant la touche qui s’absente, l’architecture secrète, les lignes fermes : « Est-ce donc la table rase, proposition théorique pour un détour aux fondements problématiques de la peinture ?

Retrouvons-nous là l’immatériel de Klein, une démarche analogue à celles que Clement Greenberg préconisa outre-Atlantique dans les acceptions variées de générations successives, ou bien les subtils constats de Robert Ryman ou de Brice Marden ?

Geneviève Asse craint l’esprit de système et sa démarche est autre »3.

En France à cette époque-là le milieu de l’art contemporain parle américain et notre artiste venait d’ailleurs et, disons-le tout net, du monde d’avant. Jean-Luc Daval, en 1995, s’interrogeait sur les rapports entre Geneviève Asse et la critique formaliste.

Il n’en tira rien de probant : « Mais surtout elle peint, et sans avoir jamais appris. Elle fait ce qu’elle doit et n’essaie pas d’imiter les autres. »4. Les rapprochements alléchants et incidents avec l’art moderniste de peintres comme Kenneth Noland, par exemple son Appearance (1970), composition panoramique d’un bleu indécis soulignée en pied de deux horizontales colorées, ramènent à un propos aux origines différentes. Dès la fin des années 60, à son rythme, Geneviève Asse fraie son chemin dans le bleu : pas exclusivement, car elle y invite parfois le blanc et le rouge.

Geneviève Asse, comme on le comprend, échappe aux catégories commodes de l’histoire de l’art. Son propos survole le formalisme et l’argument de la Nature dans la peinture figurative. Sa place est singulière : une formation classique, le goût de la littérature (Samuel Beckett, de la poésie, Pierre Lecuire, Yves Bonnefoy, Claude Esteban, Silvia Baron Supervielle), la consultation de l’art de son temps, un compagnonnage avec quelques salons parisiens dont celui des Réalités Nouvelles défendant l’abstraction géométrique

– l’art concret – sur les brisées de Mondrian ou de Vantogerloo.

Les compositions d’Asse parfois floues, instables irrégulières, échappent à cette orthodoxie, malgré des aplats en rectangle des lignes droites et brisées. Il règne dans cette peinture quelque chose d’indéfinissable, d’inattendu.

Ne jamais oublier que Geneviève Asse a peint d’abord de quiètes natures mortes, que le dessin était son royaume. Elle a puisé dans le banal environnant, l’insuffisance des objets, l’indigence d’un atelier, la pauvreté d’un bouquet, la solitude d’un fruit…

Dans un même temps elle s’enthousiasmait pour la gravure, pour le burin et la pointe sèche. Les lignes, les angles droits, les écheveaux de traits n’en restaient pas moins les arêtes pointues d’un réel infiniment dépassé, transcendé. Le temps s’immobilise.

Plus tard les carnets et les leporellos ourleront l’oeuvre peint comme un libre récit, avec un début et une fin. Le temps pouvait s’étendre.

Il y flotte un bleu intuitif – ni monochrome ni Color-Field –, un bleu tout en laissées, tiré au pinceau ou à la brosse – brosse rognée, outil mutilé – étrangement doux et ascétique, moiré et cloisonné.

Ce bleu ne tient pas la note. Beaucoup se trompent qui le comprennent comme une intention mesurée, un principe régulateur. Le geste commande toujours, pas de repentirs. Le discours de Geneviève Asse tient à la conduite de sa peinture, comme le témoignage de son intériorité avec son expérience du monde. Il est ambigu quand on connaît son retirement, son peu d’appétence pour les bavardages. Le tropisme breton de Geneviève Asse, bien chevillé à l’âme, agit aussi comme un prétexte à son introspection sur le mode pictural

Benoît Decron et Malika Noui