Le détournement comme point de départ d’une recherche plastique

Au travers de cette monographie, il s’agit de révéler le fil rouge qui parcourt les axes de recherche de l’artiste : le détournement. 

Entre ses doigts, une peinture se contorsionne et devient sculpture, la réplique par moulage d’une assise design iconique (comme la chaise longue Eames) se pare d’une surface abstraite expressionniste, un objet usuel — un miroir — semble se ramollir, se déformer et ne plus remplir correctement sa fonction, ou encore une toile de maître est transposée en une pièce monumentale ayant gagnée une troisième dimension.

La matière picturale employée par Bruno Bossut joue un rôle déterminant dans ce détournement. C’est par elle — sa composition et son usage — que le plasticien extrait l’objet de son statut initial pour le faire muter ou l’enrichir d’une qualité supplémentaire. 

C’est ainsi qu’une table est aussi un tableau ou qu’une sculpture est dans le même temps une peinture. Il en résulte une production réjouissante en couleurs qui brise les frontières entre les domaines de la création : design, arts plastiques, artisanat et industrie. Bruno Bossut produit une œuvre enthousiasmante et fédératrice qui déplace, interroge et fait sourire.

La divulgation en avant-première de « Vincent, Willy et moi »

Cette peinture sculpturale monumentale (installée à Claouey) est le résultat d’une fusion entre la peinture d’un artiste mondialement reconnu — « Les tournesols » de Vincent Van Gogh et les jardinières, aujourd’hui iconiques, d’un designer industriel pionnier — Willy Guhl. 

Cette synthèse est orchestrée par Bruno Bossut, sculpteur et peintre. Le plasticien a donné corps au bouquet de tournesols de Van Gogh en lui ajoutant une troisième dimension et une monumentalité. C’est la forme en corolle des jardinières de Willy Guhl qui lui a inspiré le lien avec le tableau. Les versions « Oreille d’éléphant » (dans 2 tailles) et « Mouchoir » (dans une taille) lui ont servi de masters pour la réalisation des moules et ont guidé, de fait, la monumentalité de l’œuvre finale.

Passionné par la peinture de Vincent Van Gogh et notamment de son « impasto », Bruno Bossut a souhaité révéler ce travail de la matière par un jeu de changement d’échelle, vers un grossissement à l’extrême de la touche. Il montre ainsi à quel point la lumière est constitutive de la toile en se logeant dans les creux et bosses de la peinture. 

Par ailleurs, le plasticien a bien noté que le peintre avait construit son bouquet pour une lecture frontale de celui-ci, agençant les tournesols de face, de 3/4 ou de profil, mais jamais de dos. Il en résulte une composition quasiment plate renforcée par le cerne qui définit les contours du vase et l’absence d’un jeu d’ombre et de lumière sur celui-ci pour simuler le volume. Le plasticien adopte le point de vue frontal de Van Gogh en travaillant le volume selon un angle de vue idéal pour le regardeur de 90°. 

Cet angle permet à la fois de respecter la vision proposée par le peintre et de constater de l’incidence lumineuse sur la touche en relief. Dans cet esprit, le vase — bien que réalisé en volume — a ses flancs cernés de marron donnant l’illusion d’une platitude ; de même, le dos de la pièce est laissé brut afin de renforcer le sens de lecture. Pour cette raison, Bruno Bossut affirme avoir créé avant tout une peinture monumentale adoptant des atours sculpturaux pouvant s’apparenter, par certains aspects, au bas-relief.