Gérard & Kelly Ruines

Rassemblant des films, des installations, des œuvres sur papier et des performances issus de près d’une décennie de collaboration entre Gerard et Kelly, Ruines à Carré d’Art marque la première exposition du duo dans un musée.   

Comme pierre angulaire de Ruines, Gerard et Kelly présentent des œuvres de leur série en cours Modern Living, qui explore ce que les artistes appellent les « ruines du modernisme » pour y trouver des chorégraphies cachées et des expériences sociales radicales. L’exposition présente Schindler/Glass (2017), une installation vidéo à deux canaux filmée à la Schindler House à West Hollywood, en Californie, et à la Glass House de Philip Johnson dans le Connecticut. Toutes deux sont des maisons que les architectes se sont construites pour abriter des relations aussi expérimentales que leurs conceptions. Dans Schindler/Glass, la maison moderniste devient le cadre d’intimités « modernes », où les danseurs se synchronisent et se désynchronisent, se mettent en couple et se séparent, et apprennent à vivre ensemble.

Montré pour la première fois en tant qu’installation, Panorama (2021) a été tourné à la Bourse de Commerce avant l’ouverture du musée en tant que Collection Pinault. Le bâtiment parisien, à l’origine une halle aux grains, a été transformé au XIXe siècle en un sanctuaire à la gloire du commerce et de la finance. Les peintures panoramiques de la rotonde, datant de 1889, témoignent du colonialisme français. Trois interprètes d’origines et de parcours artistiques différents – Soa de Muse, récemment vue dans Drag Race France, et les danseurs Guillaume Diop et Germain Louvet du Ballet de l’Opéra de Paris – habitent la rotonde vide redessinée par Tadao Ando. Sur la musique du compositeur américain Julius Eastman, le film confronte la monumentalité de l’architecture à la fragilité des corps en représentation et à la multiplicité des identités.   

L’exposition comprend également plusieurs interventions in situ. La première fiction courte de Gerard & Kelly, Bright Hours (2022), sera projetée au Cinéma Sémaphore de Nîmes. Inspirée par la rencontre fugace entre l’architecte Le Corbusier et la danseuse et chanteuse américaine Joséphine Baker lors d’une croisière transatlantique, Bright Hours imagine comment cette relation a transformé l’architecture moderne.

Pour conclure l’exposition en mars 2023, Gerard & Kelly remettront en scène State of (2019), une performance mettant en scène trois danseurs qui utilisent le drapeau américain, l’hymne national américain et une pole dance pour questionner les symboles du nationalisme. Avec  la Maison Carrée, un temple romain du premier siècle, en arrière-plan, la performance prend des significations nouvelles et élargies.

Un catalogue coédité par Mousse accompagne l’exposition, avec un essai de l’historienne de l’art Miwon Kwon et une conversation entre Lou Forster et les artistes.

Brennan Gerard et Ryan Kelly collaborent depuis 2003. Ils ont été Van Lier Fellows du Whitney Museum Independent Study Program avant de suivre l’Interdisciplinary Studio à UCLA. En France, leur travail a été présenté par le Festival d’Automne, le CND Centre national de la danse, le Centre Pompidou et le Palais de Tokyo, entre autres. Gerard & Kelly ont participé à la Biennale Made in L.A. de 2014 et à la Biennale d’architecture de Chicago de 2017. Leurs œuvres font partie des collections du Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; du Hammer Museum, Los Angeles ; du LACMA Los Angeles County Museum of Art ; du FRAC Franche-Comté, Besançon ; et de Carré d’Art.

Nashashibi Monogram

Rosalind Nashashibi est une cinéaste et une peintre vivant à Londres d’origine palestinienne et nord-irlandaise. Ses films utilisent un langage à la fois documentaire et spéculatif, basé sur l’observation de sa propre vie et du monde qui l’entoure en dialogue avec des éléments de fiction ou de science-fiction, proposant souvent des modèles de vie collective. Ses peintures évoquent également des espaces réels ou plus oniriques où peuvent apparaître des personnes ou des animaux, partageant souvent le plan de l’image avec des signes et des apparitions. Ses films sont tournés à hauteur des yeux, dessinent un espace intime. Ils deviennent une matière vivante avec une surface active faite de pulsation et de lumière. Corps, objets, regards, paysages se partagent le même espace sensible.
«Denim Sky» est un long métrage qui a été tourné en trois parties sur une période de quatre ans entre 2018 et 2022. Il a été filmé sur l’isthme de Courlande, au bord de la mer Baltique, ainsi qu’à Édimbourg, à Londres et dans les îles Orcades, en Écosse. L’artiste elle-même apparaît dans la trilogie avec ses enfants et ses amis. Les amitiés croissantes et sa reconsidération du concept de famille ont incité Nashashibi à approfondir l’un des sujets les plus importants de son travail récent – l’amour et la recherche de relations durables et de solidarité, en particulier celles qui vont au-delà de la notion de famille nucléaire. Dans la première partie de «Denim Sky», les protagonistes discutent du roman de science-fiction The Shobies’ Story (1990) de l’écrivain américain Ursula K. Le Guin, dans lequel la communauté et la compagnie sont également des thèmes importants. Un autre thème qui relie le film et le livre est celui du temps non linéaire en tant que nouvelle réalité humaine. Dans le monde contemporain le temps non linéaire est structuré par des formes fragmentées d’appartenance et divers types de distanciations entre les personnes, tant volontaires que forcées.
La peinture joue un rôle important tant dans le film que dans l’exposition dans son ensemble. «La plupart des peintures que j’ai réalisées ont intégré ma curiosité pour les signes – qu’il s’agisse de la croix ou du cadre, ou plus baroque » Elle s’est intéressée au monogramme, ces emblèmes à la fois reconnaissables et énigmatiques qui réunissent plusieurs lettres dans un seul dessin. Le monogramme peut représenter une personne, une entité ou un groupe, voire une signature. Ils ont aussi une dimension qui relève de la magie. Pour Nashashibi, un monogramme est une unité d’identité distillée qui détient son propre mythos ou glamour, et un signe est une concentration de pouvoir et de signification, concentration de pouvoir et de sens.
Plusieurs peintures réalisées récemment dans une période post-pandémie seront présentées dans l’exposition.

Rosalind Nashashibi a exposé à Documenta 14, Manifesta 7, la Triennale Nordique et Sharjah X. Elle a été nominée pour le Turner Prize en 2017 et a remporté le prix Beck’s Futures en 2003. Elle a représenté l’Écosse à la 52e Biennale de Venise. Ses expositions personnelles les plus récentes incluent le CAC de Vilnius, la Sécession de Vienne, la CAAC de Séville, le Chicago Art Institute et le Kunstinstuut Melly de Rotterdam. Elle a été la première artiste en résidence de la National Gallery de Londres en 2020.