A l’instar de la fameuse chanson de Bob Dylan qui donne son nom à cette exposition, le vent souffle inlassablement sur les univers oniriques peints par Johann Rivat. Rafale ardente du bouleversement, il nourrit et fait se propager les flammes d’un incendie qui ne cesse d’être ravivé. Ouragan d’un imminent changement, il fait se ployer les feuilles des palmiers et les mentalités. Typhon de l’effondrement, il fait s’envoler le voile de Maya qui, tissé par l’omniprésence des images et l’homogénéisation des regards, occultait notre vue.

Entremêlant de son souffle les allégories, les symboles et les références, il nous amène irrémédiablement à interroger nos sociétés. Pourtant, ce que nous murmure le mistral nous demeure incompréhensible. Acculés que nous sommes par l’astreinte du changement, déchirés entre résignation et action, nous prenons conscience que nous sommes incapables de rediriger le souffle du vent. Ce dernier semble alors nous inviter à la méditation, à la réflexion et à l’introspection

Démarche de l’artiste

S’inspirant d’images glanées sur Internet, de clichés photographiques personnels, de scènes de films, de chansons ou encore de descriptions littéraires, Johann Rivat compose des décors dont les perspectives approximatives et les objets flottants font osciller notre regard entre l’impossibilité de fixer un point et une focalisation absolue. Leurs couleurs invraisemblables, saturées parfois à l’extrême et leurs coulures prennent parfois le dessus sur le représenté, faisant ainsi vaciller l’image entre ce qu’elle représente et sa nature profonde de peinture.

Construisant ses représentations par la couleur, laquelle doit selon lui « faire image », Johann Rivat joue avec une matière picturale devenue incontrôlable, acceptant par là-même son imparfaite maîtrise. Devenue autonome, cette dernière s’écoule sur la toile comme un miel artistique dont la grâce graisseuse n’a d’égale que l’éclat lugubre des couleurs.

Par sa pratique artistique, proche par ses couleurs et ses sujets de celle de Peter Doig, Johann Rivat peint une certaine « résistance à la mélancolie, à la disparition et à l’utopie », refusant ainsi l’idéologie du progrès qui s’est imposée à l’art.

Réfutant la classification génétique du paysage, y préférant le terme de « décor », Johann Rivat crée des espaces où se cristallise l’avènement d’un drame engageant le spectateur. Affublé malgré lui du rôle de voyeur, ce dernier se retrouve plongé dans des univers oniriques dépeuplés, affranchis de tout rapport spatio-temporel, libérés de tout contexte, de toute fonction, de toute indication. Réalité et fiction se mêlent, les pistes historiques et géographiques se brouillent. Et tandis que le temps devient cyclique, les lieux identiques, les mêmes événements semblant se répéter sempiternellement, nous nous perdons dans nos propres souvenirs.

Dans ces paysages familiers et pourtant étranges, quelque part dérangeants mais irrésistiblement attirants, le banal, devenue inquiétant, réapparaît. Loin de toute présence humaine, il se matérialise dans des géants de métal, comme autant de néphélims et totems d’une civilisation passée, dépassée.  L’intensité de notre solitude n’a d’égale que l’immensité des possibles s’offrant à nous. 

Absorbés par la toile, espace disponible à la projection de soi, cette dernière semble alors nous renvoyer notre regard médusé : s’ouvre alors une sorte d’abîme nietzschéen où se répondent jeu de regards mimétiques et jeu de mémoire iconographique. Dans cet abîme, ce lieu perdu et obscure où toute chose semble absurde, le spectateur, réactive l’espace peint, détermine s’il y affectivement quelque chose à voir ou non, donne un sens ou non à l’œuvre, il retrouve alors sa liberté et son sentiment d’appartenance au monde.